Recomendación fílmica: MIS PELÍCULAS FAVORITAS DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE LOS CABOS

De las 14 películas que pudimos ver en los tres días de proyecciones, contando el domingo que por cuestiones meteorológicas cambió nuestro itinerario del día, me he permitido hacer una pequeña lista con mis cinco películas favoritas del festival. Así que, sin más, comencemos.

The Irishman

Para los que amamos el cine de Martin Scorsese, The Irishman resulta ser una verdadera obra maestra. En las 3 horas 29 minutos que dura Scorsese hace gala de lo mejor de su cine, tanto de los temas que a él siempre le han importado, haciendo un viaje por todos los estilos y recursos que ha utilizado en el lenguaje cinematográfico, hace un repaso por muchas de sus grandes obras, y además reúne a un grupo de actores que fueron al igual que él, emblemáticos en aquella década de los 70's en el cine, para entenderlo como hoy día lo hacemos.

Ver a De Niro, Pesci, Pacino y Keitel, verdaderamente es un lujo, estamos ante un trabajo que quizá no se vuelva a repetir en la historia del cine, grandes genios artistas como estos cinco (contando por supuesto a Scorsese), no los volveremos a tener jamás. Keitel con una aparición muy corta pero eficiente, De Niro como el protagónico y que cabe destacar que luce sin que su personaje sea el ser poderoso que en otras películas como Goodfellas o Casino se mostraba (y con ojos azules), Pacino no podría estar mejor que nunca, este año firma sin lugar a dudas sus dos mejores actuaciones de la década, y a mi en lo personal me conmovió hasta el alma ver a Pesci volviendo a actuar sólo una vez más, con el director que se formó, y para mi sin duda es el mejor de todos, y será una grosería si no se le nomina a todos los premios que estén por venir.

La última parte de la película más de uno podríamos interpretarla como la parte más autobiográfica de Scorsese, en la que muestra su preocupación por el paso del tiempo en las personas y saber que no hay una eternidad en el oficio de los gangsters como en el de los cineastas. Uno agradece que Netflix haya dado todo lo que Scorsese necesitó para hacer esta película, la película vale cada centavo que costó hacerla, cada segundo que dura es indispensable, necesario; nada falta, nada sobra, es el cine que jamás debe dejarse de hacer. el cine que no debe morir.

El deseo de Ana

Emilio Santoyo logra a través de su ópera prima contar una historia de amor en un drama intimista muy mesurado y meticuloso que a mi parecer es una de las propuestas más interesantes y una de las mejores películas realizadas del festival.

Un trabajo que se centra de manera muy íntima y detallista, en la figura femenina de Ana y su hijo, cuya monótona vida viene a volcarse con la llegada de Juan, el hermano de Ana, a quien no ve en mucho tiempo, y que va desentrañando su historia, la de sus padres, y toda la lucha que libran por no querer estar juntos, aunque tengan la necesidad de estar juntos. Emilio le da un grado de importancia bien valioso a la naturalidad de la historia, y que además resulta interesante que su mirada sea capaz de mostrar este relato tan profundamente detallista, como se interna en la psicología del personaje de Ana y esto haga que la historia se vaya desarrollando a través de los impulsos de ella. En gran medida esto se debió a que el equipo de trabajo de la película estaba conformado en su mayoría por mujeres, como lo señaló el mismo director al entablar la plática con prensa y asistentes a la primera proyección de la película en México.

El ritmo de la película es perfecto, tiene un tono muy atinado, cuenta con una propuesta estética y visual que habla mucho a través de sus planos, encuadres, y los colores que se emplean. Todos estos factores hacen que la película desarrolle todo el asunto del deseo de nuestros personajes principales en la trama a lo largo de la historia de manera adecuada, con una fórmula muy sutil, pero contundente. La película se va narrando y nos va dando de a poco los detalles del pasado entre ambos personajes, y como se muestra sus conflictos pasados y los detalles que no se pierden para siempre, y su lucha por lo que sienten, uno no hace más que ver en un principio el rechazo ante el sentir, para después ver a los personajes buscar lo que verdaderamente los llena, su amor, sin que les importe lo que la mirada del espectador piense, sin el prejuicio o el escándalo que para bien, no propone el realizador. Esta película me hizo recordar mucho a la extraordinaria película del director hongkonés Wong Kar Wai, Happy Together.

El tema del deseo es un tema que el director ya había tocado en su cortometraje El Perfecto Ausente, y justo el final de la película es un guiño directo al cortometraje mencionado, y como el color rojo siempre es un elemento que, en un lenguaje muy poético, directo y que además de representar a la pasión, tiene un lazo sanguíneo directo con el deseo. Debo decir que ha sido mi película mexicana favorita del festival, y es esa clase películas que yo celebro y que defiendo y disfruto el hecho de poder escribir sobre ellas, porque es mediante la escritura sobre cine que puede llegar a provocar la curiosidad que alguien la quiera ver, y busque las maneras de verla en cuanto tenga la primera oportunidad.

About Endlessness

La película de Roy Andersson tiene todo para ser mencionada con justicia como una de las mejores películas del año, y justifican perfectamente su premio a mejor director del pasado festival de Venecia.

Fragmentos y momentos de la vida que sin narrados por una voz que cual poeta que recita la más bella poesía, lo vemos pronunciar las palabras mágicas: yo veo.

Momentos que no necesitan más que un sólo plano, con una atmósfera y una estética que hace sentir una inquietud y una belleza como si se viera una pintura que de repente cobra vida, además de los personajes que deambulan en estas, unos que repiten, otros que no, como la vida misma, muestran las preocupaciones del hombre en el mundo, y los grandes problemas de nuestros tiempos (abordados por momentos con un humos muy particular y peculiar), al mismo tiempo que vemos en estos rostros sin mucha proyección, o sin ser muy expresivas, son el expresionismo en su estado más puro, y que muestran la naturales de las personas en los países nórdicos. No hay mucho que hablar de la película porque no hay mucho que decir, no se pueden expresar con muchas palabras este tipo de películas, sólo diré que es justo el cine que yo amo ver, el cine del que Bresson hace ya muchos años ya nos había dicho que se tenía que hacer bajo una única regla: menos, es más. Y del que seguro estaría orgulloso.

Jojo Rabbit

Al comenzar la película debo confesar que no me esperaba mucho de esta película, entre el hecho que el estilo, la estética y la paleta de colores me hacían creer que estaba viendo una película de Wes Anderson, y la comedia que al principio me parecía tonta, simple en el mal sentido, y sin tono; conforme la película fue avanzando fue tomando forma con la historia de este niño llamado Jojo (interpretado por Roman Griffin) cuyo mejor amigo es un muy peculiar y bizarro Adolf Hitler imaginario, que lo que más le ilusiona en el mundo ser un nazi y que luego de no atreverse a matar a un conejo (lo que hace que lo empiecen a llamar Jojo Rabbit), un accidente que lo deja con una marca y que lo hace estar en casa, descubre un secreto escondido por su madre una niña judía (Thomasin McKenzie) que lo hace aprender que los judíos no tienen cuernos, y que se puede enamorar de una chica tan linda como ella.

Taika Waititi lleva esta comedia a terrenos insospechados en el mundo de la sátira y la comedia negra, pero a la vez crea una fábula infantil apta para todas las edades que muestra de manera bien estructurada valores como la amistad, el amor, la aceptación y el apoyo a lo que verdaderamente importa: las personas. En muchos momentos de la película Waititi juega con géneros y en ningún sentido esto se siente forzado, utilizado de mala forma, o burdo.

Waititi interpretando a un Hitler imaginario sarcástico, sádico y comiquísimo, Scarlett Johansson como la mamá encantadora y con una escena en donde muestra que sin duda alguna es una extraordinaria actriz, y Sam Rockwell es un jefe, además de decir que me resulta encantador el personaje de Yorki, interpretado por Archie Yates.

Tiene uno de los mejores finales del año.

La fiera y la fiesta

Película co-producida por México, República Dominicana y Argentina, dirigida por Luisa Amelia Guzmán e Israel Cárdenas. (También director de fotografía) La película es un homenaje declarado al director dominicano Jean Louis Jorge que se integra de las personas que lo conocieron en vida y que fueron muy importantes para él. Vera, personaje interpretado por Geraldine Chaplin, encuentra un guion escrito por el director, y decide que lo va a filmar, rodeándose de la gente que conocía a Jorge, empieza la filmación que parece estar maldita, y así vemos el pretexto perfecto para ver en este ejercicio sobre la temporalidad de la vida, el cine dentro del cine, y todas las referencias a una filmografía que desafortunadamente sino fuera por fragmentos que el tiempo y la isla permitieron existir, el director habría desaparecido al igual que su vida en el año 2000 cuando fue asesinado.

Además, la película además de ser muy atractiva por la actuación de Geraldine Chaplin, en la película también aparecen el actor alemán Udo Kier, y el recién finado Luis Ospina, que también la película fue dedicada a su persona.